Tábula Rasa

"Fecunda Zona"

2012-02-02T08:11:00.000-08:00

“Silva a la agricultura de la zona tórrida” (1826) es probablemente el escrito más celebrado de Andrés Bello, figura imprescindible en la historia de las letras hispanoaméricanas. Este poema, que formaría parte de una gran obra nunca concluida que titulada “América” condensaría un extenso homenaje del autor al continente que lo vio nacer, impregnado de sus vivencias y lecturas; tomaría para sí el arrojo de cantarle a la fertilidad del trópico, a elogiar la vida del campo en estas tierras americanas.

Fiel a su firme raigambre de estilo clásico -que luego de su estadía en Londres se deslizaría hacia el Romanticismo- Bello impregna su poema de un contenido didáctico, propio de Virgilio y Horacio, sus principales referencias, y se pasea por la tierra, la semilla, la lluvia, para hacer buena y deleitante la descripción del ambiente en el Nuevo Mundo.

Ese Bello que pisa fuerte con su métrica, que ensalza al hombre agreste, esas líneas de las que brotan versos tan fértiles como la tierra que los inspira es el pretexto para que la música, el teatro y la danza se fundan en “Fecunda Zona”, espectáculo de la Compañía Nacional de Teatro que dirigido por el coreógrafo Rafael Nieves, y luego de su estreno en 2011, volvió este pasado fin de semana para tres funciones, esta vez al suelo del Teatro Nacional, como un homenaje, como un acercamiento a la poética del más grande de nuestros literatos.

La puesta en escena planteada por Nieves propone traducir al lenguaje de la danza y el movimiento, el espíritu del poema “Silva a la agricultura de la zona tórrida” mostrando en cuerpo y arte, a ser descrifrado por el espectador, los temas que a lo largo de siete partes florecen en este canto natural que intercala en su descripción de la naturaleza episodios históricos de la gesta independentista.

La voz de Bello se deja escuchar en la declamación de William Escalante, actor que libro en mano va regando los heptasílabos y endecasílabos en un escenario vacío que al fondo, en una sobretarima, presenta un cuarteto de músicos. Las notas de distintos géneros musicales venezolanos dan pie a la aparición y desaparición de los bailarines Hilse León, Isabel Story, Saim-ra Rada, Luis Villasmil y el propio Nieves. Así, se sucedían cuadros de declamación, música y danza, ya predecibles avanzado el espectáculo.

Para resaltar, el momento recio de los caballos (resueltos con muñecos a lo “Burriquita”) y más adelante el flirteo de los llaneros y las mozas escoba en mano. Ambos momentos de gran pujanza y belleza.

Se promete que la programación en el Teatro Nacional será permanente. ¡Hacemos votos, hacemos votos!

Columna publicada el 31/01/2012 en el diario "El Nuevo País"

"Programación IAEM Enero"

2012-02-02T08:08:00.000-08:00

Cuando escribíamos el pasado mes de septiembre en este espacio, y con motivo de celebrarse cuarenta años de la fundación de la sala Alberto de Paz y Mateos, una breve reseña de su situación, nos embargaba la pesadumbre por encontrarse en esos momentos, sus butacas y escenario carentes de una programación escénica constante y articulada. Como allí lo señaláramos, el envión que se había iniciado con el proyecto Escena Nacional (del cual también hablamos en este espacio cuando su arranque y con las mejores expectativas), se había detenido con un golpe tan brusco como lo fue su aparición, y sin mayores explicaciones se adormilaba otro espacio teatral -como si ya no se hubieran perdido suficientes-, siendo pues una bofetada más de las que nuestro arte dionisíaco ha llevado en los últimos años debido a algunas erróneas políticas, dizque, culturales (más impregnadas de política que de cultura, según mi opinión personal).

Para beneplácito de los hombres y mujeres del teatro, y aún más, para el público tan necesitado de que la oferta escénica se diversifique y expanda, el inicio de este año 2012 nos sorprende gratamente con la reaparición en la otrora sala de El Nuevo Grupo de sus habitantes naturales, a saber, los creadores, que son a fin de de cuentas sus primeros dolientes e impulsores, con una programación llevada adelante por el IAEM (responsable actual de la sala) conjuntamente con la Red Nacional de Teatro y Circo.

Así, tenemos que el Centro Artístico TET y Teatro del Artilugio hicieron una breve temporada los días 13, 14 y 15 de enero. La primera, llevó a escena “La Tocoquera”, pieza infantil creación original de la agrupación; mientras que la gente de Artilugio, presentó algunas consideraciones “Sobre el daño que hace el tabaco”, monólogo original del ruso Antón Chéjov, bajo la dirección de Carlos Alberto Sánchez.

Este pasado fin de semana, desde el viernes 21 y hasta el domingo 22, un par de agrupaciones más tuvieron la oportunidad de mostrar su trabajo. “Los Niños de Baltazar”, una creación colectiva de Acros Producciones, a partir de una idea original de Nixon Dacosta abría telón a las 03:00 de la tarde para el público infantil. Guarro Teatro con “Oh Fermín”, texto basado en la obra “Oh Joseph” del recordado Aquiles Nazoa, ponía a la disposición del público adulto, a las 07 de la noche, una atípica historia de romance a tono con el Teatro del Absurdo.

Para este fin de semana que viene, se anuncia a Pathmon Producciones (que están celebrando diez años, felicidades) con “Frankenstein, el juego” a partir de la famosa novela de Mary Shelley, viernes, sábado y domingo a las 03:00 pm. El clásico “Retablo de avaricia, lujuria y muerte” de Del Valle-Inclán, a cargo del grupo Actividades Alternas subirá el viernes a las 07:00 pm y sábado y domingo a las 06:00 pm.

Aplaudimos esta reactivación, y al mismo tiempo, el mundo teatral aspira a que este impulso no responda únicamente a una coyuntura electoral, y que pueda mantenerse la vitalidad de las salas teatrales permanentemente. Hablemos de políticas serias, de una vez por todas. ¡Por los creadores, por el público!

Columna publicada el 24/01/2012 en el diario "El Nuevo País"

"Alfredo Sandoval"

2012-02-02T08:05:00.000-08:00

Con esta final entrega de una serie dedicada a algunos de los nombres que el pasado año saltaron de iluminar nuestras marquesinas a elevar prodigios con su arte en escenarios no terrenales, aspiramos a dejar un brevísimo pero honesto testimonio (y admiración) de la trayectoria y aportes que durante sus vidas -vidas dedicadas por entero al teatro y sus avatares- dejaron como marca y goce.

El 19 de octubre del 2011 en horas de la tarde nos dejaba Alfredo Sandoval, un egresado de la Universidad Central de Venezuela con el título de Licenciado en Cine e incuestionable hombre de las tablas que cultivó una fructífera carrera de más de cuatro décadas como director de escena, actor de teatro, televisión, cine y doblaje, docente y locutor, que le valieron entre otros importantes reconocimientos el Premio Municipal de Teatro.

Son recordadas sus contundentes interpretaciones en obras clásicas y fundamentales de la dramaturgia universal y nacional como “Edipo Rey”, de Sófocles, “Macbeth” y “La comedia de las equivocaciones” ambas de William Shakespeare; “El Romancero” de Federico García Lorca; “El Maestro” de Eugene Ionesco; “Los cuernos de Don Friolera” de Valle Inclán; “El padre” de August Strindberg; “La Charité” de Vallejo de Herrero; “Solimán, el magnífico” de Isaac Chocrón; “El exilio de Tarzán” de De la Parra, “Una luna para el bastardo” de Eugene O'Neill o “Señor Presidente” de Miguel Ángel Asturias, ésta última una de las más renombradas piezas montada por su casa de siempre el Grupo Rajatabla, aunque también formó parte del Teatro del Duende.

Sandoval imprimía a sus personajes un manejo sobrio y quirúrgico del lenguaje corporal, sumado a un firme dominio del gesto y a una claridad técnica y sentida de las habilidades vocales, conocimientos que transmitía a sus alumnos del extinto Instituto Universitario de Teatro (ahora UNEARTES) con la misma pasión y dedicación que les inyectaba en escena. Dirigió, además, teatro infantil, escolar y profesional y estuvo al frente del grupo Arte e Investigación de la Escuela de Artes de la UCV.

A su desaparición física le sobreviven, más de ochenta obras de teatro, una treintena de telenovelas, seis películas, e incontables capítulos de series, mini series y dibujos animados a los que dio vida con su voz

¡A su memoria, siempre, Maestro Sandoval!

Columna publicada el 17/01/2012 en el diario "El Nuevo País"

"A Isaac Chocrón"

2012-02-02T08:02:00.000-08:00

En la madrugada del domingo 06 de noviembre pasado nos dejaba Isaac Chocrón y con su último aliento expiraba también una de las voces fundamentales del teatro venezolano del siglo XX. Junto a José Ignacio Cabrujas y Román Chalbaud conforma la llamada “Santísima Trinidad” que renovó lenguajes, planteamientos y estéticas de la escena nacional, e impulsó el surgimiento de un teatro que se reconocía a sí mismo como propio, que radiografiaba nuestras realidades,

Se graduó de Economista, hizo Maestría y Doctorado y ejerció la profesión por once años, pero lo que quería realmente hacer era teatro y escribir, y lo hizo, como dramaturgo, director, ensayista, novelista y docente. A su primera novela, "Pasaje", escrita en 1956, le sucederían obras de teatro vitales para la escena nacional como "Animales feroces" (1963), "Asia y el Lejano Oriente" (1966), "Tric Trac" (1967), "La revolución" (1971), "La máxima felicidad" (1975), "Mesopotamia" (1980), "Simón" (1983) y "Los navegaos" (2006) ganadora ésta última del Premio Municipal de Teatro. En el ámbito novelístico destacan "50 vacas gordas" y "Pronombres personales", y en el ensayo escribió títulos esenciales como: "El nuevo teatro venezolano" (1966) y "Tendencias del teatro contemporáneo" (1968).

Fue fundador de la Compañía Nacional de Teatro, director de El Nuevo Grupo, director de la Escuela de Artes de la Universidad Central de Venezuela, y del Teatro Teresa Carreño. Entre los numerosos reconocimientos que obtuvo destacan el Premio Nacional del Teatro en su primera edición y el Doctorado Honoris causa de la Universidad Central de Venezuela.

En sus obras, de evidentes ribetes autobiográficos, Chocrón diseccionaba las relaciones humanas y su tirante dinámica de agresión, en sus líneas buscaba trastocar los convencionalismos hasta el punto de desacralizar a los héroes patrios o bien señalar cuestionables conductas colectivas. Su tesis de la “familia elegida”, esa que uno se construye y cultiva, a diferencia de la que por genética y sangre le corresponde, lo identificó a lo largo de su vida dramatúrgica y personal,

“Me da lo mismo la aventura en la que me he metido: sea teatro, novela o ensayo. A lo que sea, le impongo el mismo rigor: lograr el ritmo. Sigo al pie de la letra el consejo que Hamlet le da a los cómicos: ‘Que la acción corresponda a la palabra, y la palabra a la acción”.

¡Aplausos por siempre, insustituible Maestro Chocrón!

Columna publicada el 10/01/2012 en el diario "El Nuevo País"

Gilberto Pinto

2012-02-02T07:58:00.003-08:00

Luego de la obligada pausa festiva, retomamos nuestras líneas para seguir, tal como lo expusiéramos en entregas anteriores, brindando un breve pero merecidísimo homenaje a algunos de los teatreros que durante el 2011 abandonaron estos escenarios terrenales, para seguir deslumbrando con sus artes en otros planos en los que la carne y los huesos no son ya prisión.

Gilberto Pinto, nos dejó tras una feroz y firme batalla en contra de la enfermedad el 07 de diciembre pasado. "La vagancia me llevó a la escena”, dijo alguna vez refiriéndose a cómo fueron sus inicios . Hojeando un ejemplar de El Nacional abandonado en una mesa de billar, descubrió unos cursos de capacitación teatral dictado nada menos que por el maestro mexicano Jesús Gómez Obregón. La curiosidad y lo desocupado le llevó a asomarse por aquellos lares, sin tener ningún interés real por el teatro, pero lo que vio le gustó, y el gustico le duró por el resto de su vida. Con una carrera de más de sesenta fructíferos años como docente, dramaturgo y director, Pinto despuntó en nuestros escenarios con una temática siempre comprometida con lo social, con la crítica frontal y sin concesiones. Nunca creyó en el teatro de evasión. Su agrupación “Teatro del Duende” arrancó en los años 50 con una firme posición contestataria y antidictatorial. Con esa visión de un teatro para la toma de conciencia, concibió piezas fundamentales como “El hombre de la rata”, “La noche moribunda”, “El peligroso encanto de la ociosidad”, “Los Fantasmas de Tulemón”, “La guerrita de Rosendo”, “La visita de los generales” entre tantas otras. Los ensayos "Reflexiones sobre la condición y la preparación del actor", "Gómez Obregón y su época", "El texto teatral, notas y contranotas para jóvenes dramaturgos", dan cuenta también de sus tesis y posiciones sobre el arte teatral. Como pedagogo vertió sus conocimientos en las aulas de los más importantes centros de educación escénica del país. El cine, la radio y la televisión también contaron con su labor de actor y director. En 1999, obtuvo el Premio Nacional de Teatro, uno de los tantísimos reconocimientos que realzaron su trayectoria.

De sus 82 años de vida consagró la mayor parte a sus dos grandes pasiones: el teatro y su esposa, la actriz Francis Rueda, quién ha mantenido su voz activa en las redes sociales publicando en los últimos tiempos los pensamientos de auténtico revolucionario de Pinto quién no cedió nunca en su espíritu crítico y cuestionador: "¿Cómo que no vamos a estar metidos en la política si el teatro es política? Cuando tú montas una obra comercial, insulsa, estás haciendo política, te estás poniendo de acuerdo con la idea de que este país está bien y no hay más nada que hacer"

¡Bravo por siempre, Maestro Pinto!

Columna publicada el 03/01/2012 en el diario "El Nuevo País"

"Francisco "Paco" Alfaro

2012-02-02T07:29:00.000-08:00

Estas últimas columnas del año queremos dedicarlas al recuerdo, como homenaje, de algunas de las figuras emblemáticas de nuestro teatro que en estos últimos meses bajaron su telón en este escenario tumultuoso que se llama vida.

Francisco “Paco” Alfaro formaba parte de ese pequeño grupo de jóvenes que bajo la dirección de Carlos Giménez reventaron el status quo teatral venezolano, por allá a inicios de los setenta, con una pieza rebelde, incisiva, poética: “Tu país está feliz”. Con esa experiencia nacía el Grupo Rajatabla y con él una nueva visión escénica que a la postre se convertiría en referencia innegable del teatro venezolano en el siglo XX.

La agrupación ha llevado a escena más de cien espectáculos, la mayoría de autores criollos, y desde el arranque, y en cada una de ellas Paco Alfaro estuvo presente aportando sobre y detrás de las tablas. “Señor Presidente”, “Bolívar”, “Cuando quiero llorar no lloro”, “El Coronel no tiene quien le escriba”, “La muerte de García Lorca”, entre otras piezas icónicas de la compañía en sus cuarenta años de historia contaron con su participación activa, tanto como actor, como productor y gerente. Con la muerte de Gimenez en el año 92, asume la dirección general de Rajatabla, y durante casi dos décadas se empeñó en mantener a flote ese barco, que peleaba ferozmente con el fantasma y ausencia de su creador.

Lidió con los años, quizás, más trágicos económicamente hablando de la agrupación y buscó formas de mantenerla activa en giras nacionales e internacionales. Creó y llevó adelante la I y II Muestra de Dramaturgia Nacional buscando proyectar el trabajo de los autores criollos. Fue un firme defensor del Taller Nacional de Teatro, baluarte del Rajatabla en la formación de las nuevas generaciones de intérpretes, que hasta la fecha ha egresado más de veinte promociones de actores y actrices.

Este mismo año, y ya convaleciente de un cáncer de próstata, se mantuvo al frente de las giras, temporadas y actividades para celebrar los cuarenta años del grupo. Paco era el último sobreviviente de aquellos visionarios fundadores del Rajatabla y dedicó íntegramente su vida al teatro hasta el 25 de julio de 2011 cuando sucumbió a la enfermedad con la que venía batallando desde hace tiempo. El mundo teatral venezolano perdió esa mañana- solo físicamente- a uno de sus hombres más activos y fundamentales. Su nombre siempre estará ligado al desarrollo contemporáneo de nuestras tablas y a un legado que sigue- y promete seguir- latente en nuestros escenarios. ¡Aplausos Paco!

Columna publicada el 20/12/2011 en el diario "El Nuevo País"

X Muestra Internacional de Teatro y Títeres en las Comunidades de Caracas

2011-11-21T08:39:00.000-08:00

El pasado sábado 08 de octubre se inauguró la Muestra Internacional de Teatro y Títeres en las Comunidades de Caracas, evento que bajo la dirección general del maestro Alberto Ravara y la organización del Instituto de Investigaciones para el Desarrollo del Arte en Venezuela arriva ya a su décima edición.

Desde su creación, y bajo la premisa de “teatro de los invisibles”, este evento ha tenido como norte llevar a los intestinos de la ciudad una abundante programación teatral desde una perspectiva plural e inclusiva. Barrios, plazas, bulevares, canchas, escuelas, refugios y hasta hospitales; así como salas establecidas y espacios convencionales, al oeste y al este de nuestra convulsionada urbe, cualquier locación es propicia para brindar un amplio menú de bocados escénicos a elegir. Llevar la montaña hasta los habitantes con menos acceso a las marquesinas y a los principales centros de actividad cultural, pero hacerlo con un teatro reflexivo y confrontacional. Teatro en su amplio sentido social. Teatro para los espectadores “invisibles” y realizado por los hacedores “invisibles”, ya que el encuentro funciona también como una plataforma para que las agrupaciones independientes puedan confrontar sus propuestas con ese público ávido.

En esta décima edición, celebrada en homenaje a Francisco “Paco” Alfaro, fundador y director de Rajatabla fallecido el pasado mes de julio, cuatro son los países invitados: desde Argentina llega la agrupación Mandrágora, el Teatro Municipal de Oncativo, el Teatro de Títeres Carátulas y la Compañía Ruben Di Mauro; desde Colombia viene la gente de El mundo al revés; desde España el Teatro Emer- Gente de Cataluña, y del Perú, Babalawos. Y junto a ellos cuarenta ocho colectivos nacionales desplegados en más de ochenta locaciones en trece parroquias a lo largo, ancho y alto de nuestra capital.

El Celarg, el recientemente reinaugurado Teatro Principal, la Sala Cadafe y la Sala de Teatro Altosf en Parque Central, son los espacios que se suman para brindar una programación que incluirá funciones de teatro, títeres, danza, arte corporal, estatuas vivientes, circo, foros, conversatorios y encuentros de la crítica especializada con los creadores, la comunidad, grupos teatrales de calle y público general. Todas las actividades son con entrada libre y la grilla puede conseguirse en www.vayalteatro.com. ¡Una vez más aplausos a IIAVE!

Columna publicada el 11/10/2011 en el diario "El Nuevo País"

“Coloquio de hipócritas”

2011-10-25T16:33:00.000-07:00

¿Quiénes somos realmente debajo de esa máscara con la que nos vestimos para salir todos los días? En el trabajo, en las relaciones, en las aulas, nos vendemos bajo un manto ficticio. La mentira es nuestra forma de relacionarnos con el otro. Somos hipócritas. Admitámoslo. Y vaya paradoja, el que no lo hagamos, nos confirma irrefutablemente que lo somos. Como Flop y Track, entrañables amigos, amadísimos compañeros de la vida, para quienes cualquier cosa más allá de su amistad pura y desinteresada no tiene validez. Hasta que se enamoran de la misma mujer y en cada abrazo empieza a esconderse una puñalada. Pero este par no es más que el reflejo diminuto de toda una sociedad. Así lo expone el dramaturgo venezolano Paul Wiliams en su “Coloquio de hipócritas” que la gente de Imaginartes en co-producción con Arteatral Cut (provenientes de Querétaro, México) trajo como propuesta para participar en el Festival de Teatro de Autor, FESTEA 2011 en una única función el pasado 07 de agosto. El espacio: una cámara blanca cuyos laterales por momentos servían de pantalla para juegos con sombra. Del techo colgaban paraguas invertidos que cambiaban de color a gusto de la iluminación. Al fondo, móviles simulando una lluvia irreal. Como elementos escenográficos, tan solo un par de taburetes altos. Servido el escenario, los intérpretes se adueñaron de éste con una propuesta actoral eminentemente física en la que el constante movimiento del cuerpo y el juego con la voz iban desenrollando el texto, para ser descubierto paulatinamente, como si de un pergamino se tratara.

Apegada al carácter absurdo del texto, la puesta en escena co-dirigida y actuada por Rodrigo Canchola y Sotero Castrejón, mostró un trabajo distanciado, de visual poco realista, que como especie de subterfugio alejaba al público de la identificación inmediata, pero que en paralelo iba arrojando en su cara la cruda imagen de lo que somos: seres con miedo a decir, a hacer, a pensar. Las risas del público, a veces nerviosas, evidenciaron que las frases de éstos dos seres ridículos, ampulosos, habían, en algún momento de nuestras vidas, sido propias. Una propuesta contundente que se colmó con el aplauso agradecido. Aplauso que se hace extensivo a los organizadores del FESTEA que año tras año se niega a morir, superando los crecientes obstáculos que se les interponen. ¡Entre estos mucha hipocresía!

Columna publicada el 16/08/2011 en el diario El Nuevo País

Festival Mundial de Danza Solos y Duetos 2011

2011-10-25T16:20:00.000-07:00

Este próximo viernes 16 de septiembre en la sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño se inaugura el VII Festival Mundial de Danza Solos y Duetos 2011, con la participación de agrupaciones provenientes España, Argentina, Chile, Colombia, México, Brasil, Cuba y Venezuela.

Esta producción de la Fundación Compañía Nacional de Danza convoca una vez más a agrupaciones, principalmente de danza contemporánea, que presentarán sus propuestas en formato de solos y dúos, confrontando las distintas visiones sobre el arte del movimiento que se están gestando alrededor del orbe.

Diego y Ulises (Argentina), Danza en Cruz (Chile), Kalus Danza (Colombia), Delfos Danza Contemporánea (México), Jon Ole Olstad y Caroline Skjorshammer (Noruega), Dosproposciciones (España), Associaçao Cultural Mimulus (Brasil), Danza Fragmentada, Danza Libre, Emovere e Índigo (Cuba) son algunas de las agrupaciones que desde el 16 al 24 de septiembre se darán cita junto a colectivos nacionales, en la Sala Juana Sujo de la Casa del Artista, en los espacios abiertos del Teatro Teresa Carreño; y en los estados Carabobo y Portuguesa para mostrar lo mejor de su repertorio en este Festival de factura internacional que arriva a su séptima edición.

Por primera vez, el encuentro se realiza en homenaje a personalidades de la danza nacional. Rodolfo Varela, Juan Monzón; Mireya Tamayo, Abelardo Gameche, Marisol Ferrer y Jorge Esteba, pioneros todos del arte dancístico en nuestro país, recibirán sendos tributos en esta edición que además de las funciones de danza, ofrecerá talleres de entrenamiento danzario, conferencias, charlas y conversatorios, entre otras actividades que en diferentes espacios convencionales y no convencionales podrán ser disfrutadas con entrada libre.

El Centro de Bellas Artes y la Plaza Hermano Nectario María de la ciudad de Guanare; y el Ateneo de Valencia se suman este año como sub-sedes, insertándose en dos de los más importantes eventos dancísticos del interior: el Festival Encuentro para Uno y el Festival Nacional de Jóvenes Solistas en Danza que este año celebra su XXI edición.

Desde su creación, el Festival de Solos y Duetos ha ido consolidándose como un espacio para el intercambio cultural entre exponentes de los cinco continentes, colocándonos una vez al año en el foco del ojo dancístico internacional. ¡Bien por nosotros!

Columna publicada el 13/09/2011 en el diario El Nuevo País

"Federico, una pasión alada"

2011-10-25T16:02:00.000-07:00

Una luna llena con el rostro de Federico fungió como único elemento escenográfico. Las escenas, ahora oníricas, ahora graciosas, ahora sentidas se sucedían en el escenario conmemorando 75 años de aquel nefasto disparo.

En la madrugada del 18 de agosto de 1936 una bala disparada por la intolerancia y la estupidez humana se tragaba la vida de unos de los autores de habla hispana más grandes del siglo XX: Federico García Lorca. Poeta, dramaturgo, músico, director, artista como pocos, con un verbo único en el que la pasión y la poesía se confunden para crear un universo repleto de personajes, historias y sentimientos sencillamente irrepetibles. Cada frase de Lorca lleva sangre y maravilla; lleva “duende” y belleza. Sus obras, comedias y tragedias, nos brindan protagonistas inmortales, potentes, prodigiosos. Y todo ese caudal fue acallado por una bala, una balita, chiquitita, diminuta en tamaño, estruendosa en alcance. Su delito: ser republicano y homosexual en los tiempos en que las fauces de la Guerra Civil Española empezaban a abrirse. Así de imbécil es el hombre, único ser racional, ¡já!

Para conmemorar esta fecha, el actor, docente y director Antonio Cuevas (paisano, para más señas, de Lorca), presentó desde el jueves 18 al domingo 21 en la Sala Doris Wells, “Federico, una pasión alada”; espectáculo que a través del recorrido por algunos de los títulos más representativos de la dramaturgia lorquiana, brindó un homenaje al poeta español, estrenando la misma noche en la que se cumplían setenta y cinco años de aquel disparo nefasto. Los treinta alumnos del taller de actuación permanente impartido por Cuevas en la Casa del Artista tuvieron con este bocado su graduación. Y no la tuvieron nada fácil.

Una luna llena con el rostro de Federico, lo que es casi un maravilloso pleonasmo, fungió como único elemento escenográfico. Las escenas, versionadas por Cuevas, se sucedían en el escenario vacío ahora oníricas, ahora graciosas, ahora sentidas, con un desempeño actoral disímil adecuado al nivel de los participantes del taller; mientras sobre el piso de madera retumbaban los tacones del cuerpo de baile de la Academia de Flamenco de Tatiana Reyna, participantes de postín en la puesta en escena.

Durante casi dos horas se intercalaron extractos de “La Casa de Bernarda Alba”, “La Zapatera Prodigiosa”, “Yerma”; “Bodas de Sangre”, “Doña Rosita la soltera”, “Romance de Don Perlimplín con Belisa en su jardín” y “Mariana Pineda”; mostrando la palabra y acción del mundo de Federico. Al final, un Lorca vestido de blanco dejaba en el público parte de sus palabras: “La poesía no quiere adeptos, quiere amantes”. No hizo frío, ni calor, hizo Federico ¡Alé Lorca!

Columna publicada el 23/08/2011 en el diario El Nuevo País

"Heroínas de América"

2011-10-25T15:58:00.000-07:00

Lo histórico está en boga. La época independentista, razón y motor de estas celebraciones bicentenarias, se revive en distintos espacios y ámbitos de la vida pública. Desde actores y actrices que en plazas y bulevares deambulan trajeados a la usanza de ese nuestro siglo rebelde, personificando próceres y heroínas; hasta montajes en salas que celebran y reviven extractos de esa época de sables y consignas. César Rengifo, por ejemplo, cuya obra dramatúrgica acusó un profundo interés por el elemento histórico, es por estos días, uno de los dramaturgos más montado, nombrado, resaltado, homenajeado (y en algunos casos tergiversado).

Dentro de esa ola decimonónica, el pasado jueves en la sala experimental del CELARG se presentó “Heroínas de América”, propuesta dirigida por Costa Palamides, que reúne fragmentos de cuatro obras dramáticas sobre Manuela Sáenz, Luisa Cáceres de Arismendi, Joaquina Sánchez y Eulalia Buróz (o Ramos Sánchez según sea la fuente), escritas por José Manuel Freidel, Pedro Riera, César Rengifo (no podía faltar), Rodolfo Hurtado y Benjamín Farías; y con las actuaciones de Jazmín Castro, Karla Fermín, Juliana Cuervos y Ximena González.

Mitad monólogos y mitad lectura dramatizada, la puesta en escena, desarrollada en un espacio circular, se une al espíritu de los autores y se centra en reivindicar la participación de la mujer en la lucha subversiva, pero también en descubrir la dimensión humana de las protagonistas. Sacrificio y devoción. Empuje y entereza. La lucha interna entre los ideales libertarios y el papel de esposas, de madres, de amantes y amadas. Esa misma fuerza que en el campo de batalla llevó a Manuela Sáenz al grado de Coronela dentro del ejército libertador, la desataba en la alcoba, celosa, ante el descubrimiento de un pañuelo ajeno en las sábanas del Libertador. Prisionera, torturada y usada como carnada para doblegar al general Arismendi, Luisa Cáceres tenía en su aguante un sable acaso más puntiagudo que el de su esposo. Joaquina Sánchez se le plantó de frente a la muerte y no le bajó la cabeza nunca; Eulalia Buróz vio sucumbir su juventud y sus sueños de adolescente ante los embates crueles de la guerra. Cuatro voces que buscan conducirnos hacia una comprensión de los ideales latinoamericanos. ¡Bicentenarios somos y en bicentenarios nos convertiremos!

Columna publicada el 26/07/2011 en el diario El Nuevo País

"Joaquina Sánchez"

2011-10-25T15:53:00.000-07:00

Las tablas locales están de plácemes. Las puertas del Teatro Nacional, un verdadero templo para todos los que hacemos vida por y para la escena, han sido reabiertas. Construido por orden del presidente Cipriano Castro, esta edificación de estilo predominantemente francés, que tuvo al arquitecto Alejandro Chataing como artífice, subió su telón por primera vez en 1905. Pinturas de Antonio Herrera Toro y esculturas de Miguel Ángel Cabré integraron el diseño original. Grandes compañías internacionales de ópera y zarzuela deleitaron al público caraqueño hasta bien entrado el siglo XX. Durante los años 80 albergó a la Compañía Nacional de Teatro, bajo la dirección de Isaac Chocrón, período en el que se mostraron importantes montajes. Ha pasado por anteriores restauraciones en los años 1942, 1967 y 1992.

La obra “Joaquina Sánchez” del dramaturgo César Rengifo (1915-1980), para muchos el padre del teatro moderno venezolano, fue la elegida para reabrir sus puertas una vez más el pasado sábado 16 de julio, con remozado vigor y sembradas expectativas. Bajo la versión libre y dirección general de Ibrahim Guerra, a la voz de “¡Las siete y serenoooo!” un pregonero anuncia el inicio de esta historia sobre libertad, traición e ideales. Joaquina Sánchez era esposa de José María España, impulsor junto a Manuel Gual de un movimiento proto-independentista a finales del siglo XVIII. Pero además de apoyar como mujer a España en su movimiento subversivo, funge a su lado como un alzado más y participa activamente en la organización secreta de la lucha. En una reinvindicación de la figura femenina muy poco común en la dramaturgia occidental, Rengifo enzalza a la Joaquina madre, a la Joaquina esposa y a la Joaquina rebelde.

El montaje de Guerra destila, además de un profundo respeto por el autor (con quién trabajó varios años) una marcada poética teatral. La acertada participación especial del primerísimo actor Carlos Márquez quedó en evidencia cuando apenas entró a escena, y antes de decir palabra alguna, recibió un emocionado y largo aplauso. Jennifer Flores como Joaquina, la Vito Lonardo como el Corregidor, Alejandro Corona en el papel del Comandante Vásquez, hicieron llave con un equilibrado elenco que mezcló juventud y trayectoria. La dirección musical de Julia Carolina Ojeda brindó el acento preciso al espectáculo. La respuesta del público fue tal, que las dos únicas funciones pautadas inicialmente, se convertirán en una temporada durante todo julio y agosto. ¡Ahora, a mantener esas puertas abiertas!

Columna publicada el 19/07/2011 en el diario El Nuevo País

"Por el camino de los Santos"

2011-10-25T15:48:00.000-07:00

A lo largo de la calle principal del pueblo cientos de personas ondeando banderitas forman en ambos lados de la calzada un pasillo humano que refleja alegría, esperanza y fe. Arreglos con globos multicolores adornan las fachadas, y en la puerta principal de cada casa, de cada negocio, se erige un pequeño altar y alrededor de éste, la familia y amigos esperan el inminente cortejo. Escapando desde las ventanas, abiertas de par en par, o aullando en improvisadas “minitecas” instaladas en la acera, distintas músicas (contradictoriamente profanas la más de las veces) resuenan estridentemente. A lo lejos, se escucha la distorsionada voz de unos parlantes anunciando la entrada: ha llegado San “fulanito” o la Virgen de “tal”. A lo largo del año, en las distintas regiones una extensa fila de deidades salen del templo y pasean por las calles en una visita a sus devotos. Estas procesiones tienen en sus ritos, bailes y musica la una guía propia para la adoración y que constituye en sí misma una puesta en escena.

De esa simbiosis perfecta entre religión y arte popular nace “Por el camino de los Santos”, espectáculo que la Fundación Compañía Nacional de Danza llevó a la sala Rios Reyna del Teatro Teresa Carreño los pasados días 07 y 08 de julio. La Gaita de Tambora a Santa Lucía y los Vasallos y promeseros de San Benito de Bobure (Edo. Zulia), la Parranda de San Pedro (Edo. Miranda), los promeseros de San Pascual Bailón (Edo. Cojedes), el Tamunangue en honor a San Antonio de Padua (Edo. Lara), los Giros de San Benito (Edo. Mérida), el sangueo y golpe de tambor al San Juan Bautista de San Millán (Edo. Carabobo), los Pastores del Niño Jesús (Edo. Aragua) y la participación especial de las Voces Risueñas de Carayaca (Edo. Vargas); conformaron el cartel que durante casi dos horas ofreció un recorrido por las principales ofrendas celebradas en nuestro país, llevadas a escena por sus cultores y promeseros originales. Más de cien artistas, entre bailarines y músicos, se alternaron en un crescendo de jolgorio y fervor. Las imágenes benditas recibieron culto y aplauso en una fiesta-liturgia vivificada por los ritmos del Chocho, Ajé, Misericordia y Sangorongó de los Chimbanguéles zulianos, intercalados con galerones y zapatea`os cojedeños, y golpes de tambor mirandinos, entre otros. Para la mayoría de las agrupaciones, era la primera vez que se presentaban en este teatro, lo que le dio una significación especial. ¡Alabado sea el telón!

Columna publicada el 12/07/2011 en el diario El Nuevo País

"Diablos Danzantes de Corpus Christi"

2011-10-25T15:45:00.000-07:00

Estos días de junio traen consigo una manifestación fundamental dentro del patrimonio cultural que nos identifica: los Diablos Danzantes del Corpus Christi. Aunque los más conocidos son los de la población mirandina de Yare, ésta expresión religiosa de profundo carácter teatral que en la actualidad suma unos cinco mil portadores, se celebra también en los estados Vargas (Naiguatá); Carabobo (San Millán y Patanemo), Aragua (Cata, Cuyagua, Chuao, Ocumare de la Costa y Turiamo); Guárico (San Rafael de Orituco) y Cojedes (Tinaquillo).

El orígen de estos ritos se remonta a mediados del siglo XVII y está vinculado a las extensas haciendas de cacao, caña de azúcar y café. A lo largo de su evolución se han afianzado rasgos propios de la interacción de las culturas indígena, europea y africana, por lo que hoy día podemos identificar en cada uno de los elementos que la componen evidencias de tal sincretismo. Su organización en Cofradías data de los siglos XVII,XVIII y XIX, es jerárquica siendo el Capataz, Capitán o Diablo Mayor la máxima autoridad; y están conformadas principalmente por varones, aunque en algunas las mujeres participan bien como danzantes, bien como colaboradoras en las fases de preparación. Para recrear el triunfo del Bien sobre el Mal, estos “promeseros” realizan bailes rituales que significan la rendición de los Diablos ante el Santísimo Sacramento. La utilización de máscaras alegóricas al Maligno, animales y otras representaciones; un vestuario generalmente multicolor -salvo Yare en donde prevalece el rojo vivo y Tinaquillo donde la combinación rojo-negro acaricia la retina-; accesorios como cascabeles, cencerros, lazos, campanas, pañuelos blancos, reliquias, crucifijos, y demás; y una maraca en la mano derecha (reminiscencia de rituales chamánicos) se integran en diversas expresiones de carácter profano y sagrado. La teatralidad es incorregible, maravillosa, y abarca desde improvisaciones, secuencias de pasos en cruz, ejecución musical en vivo, con instrumentos de cuerda y/o percusión (de franca influencia africana); hasta personajes como el Arriero, Perrero o Diablo Suelto quién vigila a los danzantes, o la Sayona, mujer del Diablo y mamá de los niños promeseros o “diablitos”; y la personificación mismísima del Diablo, danzando en retroceso, sumiso y penitente.

Este año se ha elevado ante la UNESCO la solicitud para ser reconocidos como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, ¡que las maracas suenen y el Santísimo lo conceda!

Columna publicada el 20/06/2011 en el diario El Nuevo País

Acto Cultural

2011-10-25T15:39:00.000-07:00

Y he aqui que la Junta Directiva de la Sociedad Luis Pasteur (antes, Sociedad Heredia) para el Fomento de las Artes, las Ciencias y las Industrias de San Rafael de Ejido, se prepara para escenificar una pieza cuya autoría está firmada por el mismìsimo presidente de la Sociedad antes mencionada, el señor Amadeo Mier, y cuyo título “Colón, Cristobal, el genovés alucinado” da cuenta de que el reto que se autoimpuso el descubridor escondía límites que éste no podía ni sospechar. Además del autor, completan el avezado elenco los demás miembros de la insigne junta:Hermina Briceño, viuda de Petit: Vocal,Antonieta Parissí: Vocal Auxiliar, Purificación Chocano: Secretaria, Cosme Paraima: Vicepresidente; y el Secretario, Francisco Xavier de Dios, quien al inicio de la ceremonia, y obedeciendo las estrictas responsabilidades de su cargo, deposita el acta y la declara inaugurada:

- Francisco Xavier: ¡Se declara inaugurada la ceremonia!-.

E iniciada queda así, no sólo la irrenunciable labor de la Sociedad, sino también una de las obras de teatro fundamentales en la historia de la dramaturgia contemporánea venezolana “Acto Cultural”, del no menos fundamental José Ignacio Cabrujas. Héctor Manrique y su Grupo Actoral 80, llevan a escena esta pieza que como toda la obra Cabrujiana hace una radiografía de lo que somos como identidad, o como muchas veces se ha dicho, mientras buscamos identidad.

Estrenada en 1976 por el Nuevo Grupo, en las líneas de este “Acto Cultural” conviven tres planos que desde el humor peculiar de Cabrujas, apuntan todos en la misma dirección: esa risa nerviosa del espectador encubriendo el drama propio que salta desde el escenario. En un primer nivel el espectador que va a ver la obra del GA80, en realidad va a presenciar el intento de puesta en escena de la obra escrita por Amadeo Mier, difuminándose la línea divisoria entre el tiempor real y el tiempo escénico. En segundo plano, Colón y el resto de los personajes de su historia, representados por los miembros de la Sociedad, y en el tercer plano, la vida interna de éstos seis miembros que a lo largo de la pieza queda al desnudo a través del efectivo distanciamiento que Cabrujas aplica. Teatro dentro del teatro, personajes angustiados, costumbristas pero no caricaturizados, que si hoy vuelven a escena no es por casualidad. La historia de la pieza se desarrolla en la época de la dictadura Gomecista. En los tiempos de su estreno, el país flotaba en la bonanza petrolera (al parecer nuestra cíclica maldición) del primer período de CAP; y hoy día la pertinencia no puede ser justicieramente descrita, sino descubierta, sentado en la butaca, masticando lo que desde el escenario se nos lanza.

Samantha Castillo, Melissa Wolf, Angélica Arteaga, Juvel Vielma, Daniel Rodríguez y Juan Vicente Pérez conforman el joven elenco que los sábados y domingos a las 04:00pm en el Teatro Trasnocho dan vida a esta pieza, repetimos, fundamental en nuestra dramaturgia.

Columna publicada el 13/06/2011 en el diario El Nuevo País

"Teatro Negro de Praga"

2011-10-06T08:38:00.000-07:00

El fin de semana del 28 y 29 de mayo se presentó una vez más en Caracas, y una vez más en el Teatro Teresa Carreño, el siempre aplaudido Teatro Negro de Praga con el espectáculo “La Bicicleta Voladora”. La agrupación Srnec Theatre, bajo la dirección general de su fundador Jiri Snerc, continúa después de cincuenta años de rodar por las tablas del mundo, ofreciendo éste particular arte escénico que a través del gesto y el juego entre la luz y la sombra desarrolla espectáculos vistosos dirigidos al disfrute de un público de edad heterogénea.

La técnica sencilla, pero visualmente deliciosa de esta propuesta consiste en un escenario tipo ”caja negra”, completamente a oscuras, y en el que se utilizan juegos de luces dirigidas para provocar la ilusión, cuando está realmente bien hecha, de objetos y personajes voladores, trucos de posiciones imposibles y hasta desmembramientos (más del tipo comiquita que de película de terror, no se alarme) como el que vimos en este espectáculo cuando el protagonista, el joven inventor Anzoleto, intercambia cabezas con Cupido en un acto desesperado de éste último a ver si aquél se deja seducir por las mieles del amor.

Y es que por ahí va la historia de la “La Bicicleta Voladora”: Anzoleto, fascinado por el vuelo de los pájaros, trabaja incansablemente en crear una bicicleta con la que pueda surcar los aires, y tan enfocado está en su empresa que no se fija en el amor que por él siente Consuelo, doncella asediada por las pretensiones del villano Orator. Cupido acude en ayuda de la desconsolada muchacha, y a lo largo del desarrollo de la trama intentará juntar a los enamorados.
Imágenes de fantasía, bailes de objetos, coreografías clásicas, una música incidental, que cómo la historia le exige, se antojaba por momentos empalagosa; construyeron una puesta en escena sencilla, equilibrada entre el uso de los artificios de la luz negra y el trabajo actoral, cuya interpretación se sustentó exclusivamente en lo gestual, prescindiendo por completo de la palabra.

Los actores invisibles, esos que ataviados completamente de negro dan vida a los objetos inanimados, mostraron su destreza al poner a bailar a unos alegres postes, hacer girar flechas y herramientas por los aires, animar a un simpático y escandaloso perro de peluche, elevar y hacer flotar a los actores y actrices, e incluso poner a volar, como era el sueño de Anzoleto, su enorme bicicleta del siglo XIX, época en la que está ambientada la obra y que se ve pulcramente reflejada en el vestuario. En definitiva, un espectáculo ameno y disciplinado.

La gira venezolana de esta agrupación nacida en la extinta Checoslovaquia los llevó además de la capital a las ciudades de Mérida el 31 de mayo, Valencia el 02 de junio, Barquisimeto 03 de junio, finalizando en Maracaibo el domingo 05.

Columna publicada el 07/06/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Un tranvía llamado deseo"

2011-10-06T08:16:00.000-07:00

Que una historia, clásica por demás del teatro universal del siglo XX, que se desarrolla en los Estados Unidos de los años cincuenta reviva en este 2011; que de Nueva Orleans se traslade a Caracas (o digamos a cualquier ciudad latinoamericana); que de ser su protagonista originalmente polaco pase a ser ahora un “brasileiro, meu cara”; que de una vecindad en el sureño Missisipi pasemos a un barrio con sabor y ambiente “reguetonero”; es que va la versión de “Un tranvía llamado deseo” que las agrupaciones Hebu Teatro y Teatro del Contrajuego traen al Espacio Plural del Trasnocho bajo la dirección general de Orlando Arocha.

Esta pieza fundamental del teatro contemporáneo, original del dramaturgo estadounidense Tenesse Williams, presenta la historia de Blanche Dubois, una aristócrata venida a menos que oculta escabrosos secretos, quién llega con sus maletas a casa de su hermana Stella, que hace tiempo ha abandonado el acartonado modo de vida heredado de su linaje y se ha casado con Stanley Kowalsky, un obrero tosco y dominante. El choque entre Blanche y su cuñado es una gran metáfora para el enfrentamiento de dos culturas, de dos formas de supervivencia. Para el momento en que fue estrenada la pieza (1947), el mundo acababa de salir de la Segunda Guerra Mundial y se respiraba por todo el orbe un nuevo orden en el que grandes sistemas dominantes iban desapareciendo para dar paso a una clase emergente. El obrero Kowalsky representa una moral y una cultura que empieza a hacer eclosión frente a Blanche, representante de un sistema moribundo y de cimientos arenosos.

La versión que hace Arocha, mantiene los nombres de personajes y lugares originales del texto, pero los desarrolla en un ambiente latino, cercano y actual. La puesta en escena mantiene una rica tensión-distensión que deja colar la duración de la pieza con ligereza. La escenografía en dos niveles, -elaborada en su casi totalidad con gaveras de cerveza Zulia- nos ubica de inmediato en el ambiente laxo y desprendido de cualquier barriada caraqueña. El conflicto entre dos mundos aparentemente irreconciliables, aparecen con todo el acento de lo popular y es fácilmente reconocible para el espectador. La acción se desarrolla con fluidez, en una acertada dinámica que alterna el drama y el humor en forma inteligente y ajustada. Diana Volpe en el papel de Blanche brinda una interpretación lúcida y honesta que logra conmover. Rossana Hernández, se entrega a su personaje, mostrando equilibrio y madurez en el rol de Stella. Ricardo Nortie, como el patán Kowalsky, se muestra desenfadado y engancha. El resto del elenco encabezado por Simona Chirinos, como siempre destacada en su rol, ofrece interpretaciones bien sustentadas, que por razones de espacio no podemos detallar como deseáramos.

Hasta el próximo 12 de junio tendrá oportunidad de ver esta versión “arrabalera” y sacar sus propias degustaciones.¡No le pase lo que a Blanche cuando dice “siempre he dependido de la amabilidad de los extraños”!

Columna publicada el 31/ 05/ 2011 en el diario "El Nuevo País"

"Goya"

2011-05-31T12:42:00.000-07:00

“Prefiero que me quite el sueño Goya, a que lo haga cualquier hijo de puta”. Con esta premisa el director y dramaturgo español Rodrigo García desarrolla un mordiente monólogo en el que disecciona, como es habitual en sus letras, las fragilidades de una sociedad signada por el consumo y la enaltación de valores superficiales. El fundador de La Carnicería Teatro presenta la historia de un hincha del Atlético de Madrid que decide gastarse todos sus ahorros en una empresa singular: llevarse a sus dos hijos, de seis y once años, apertrechados de licor, cocaína y tortillas, e irrumpir a pedradas en el Museo del Prado para disfrutar las pinturas negras de Goya. Esta forma, subversiva, despojada, delincuencial, es para el personaje el “cómo” debería disfrutarse la pintura del artista y es desde acá donde se descubre el planteamiento del autor, contraponiendo el formalismo, lo ceremonial del claustro museístico, a lo vivaz y visceral del personaje, lo que es en definitiva una posición crítica sobre la sociedad, marcada por axiomas alienantes.

Pero cambiemos el hincha español por una ama de casa caraqueña y veremos que los senderos se tocan. Así lo presenta la gente de Teatro Forte que el pasado viernes 20 de mayo estrenó en la Sala José Ignacio Cabrujas su versión de “Goya”, bajo la dirección de Vladimir Vera. La línea discursiva y estética de la agrupación se mantiene en esta propuesta, apostando a la confrontación con el espectador, a la transgresión escénica y a textos de fina crudeza. Fédora Freites brinda una meticulosa interpretación, con sustrato y aplomo. Aunque en la arrancada dejó en evidencia el arropo de los nervios, paulatinamente fue apoderándose del personaje, del discurso y del público. Una pianista que brindó algunas notas durante la representación, y un asistente de escena que alternaba sus labores con el disfrute de una revista “para adultos” (ambos tras sendas máscaras del protagonista de “V” de Vendetta, acaso en un guiño de carácter subversivo) completaron la puesta en escena propuesta por Vera que además recurrió al video como medio expresivo. Así, pudimos ver en pantalla comentarios sobre el pintor español de la boca de personajes importantes del arte y la farándula nacional y algunos del medio artístico español.

Como marco escenográfico al montaje, una colección de fotografías de Nelson Garrido extraidas de la exposición SEXPO-MASTURBARTE, estrenada el pasado noviembre. Y resulta que -y esto me resulta absurdo e inaceptable- a la “directora artística” de Cultura Chacao, le causó demasiado prurito las imágenes de genitales y desnudos humanos, por lo que exigió la supresión de las fotos del montaje. Un rancio pensamiento decimonónico e inquisitorial obviamente se esconde en distintas ideologías. Como era de esperar, Teatro Forte no aceptó la censura y suspendió, después del estreno, la temporada de “Goya” en la Sala Cabrujas, yéndose con sus corotos (fotografías incluidas) a otra parte, por lo que desde el próximo 28 de mayo estarán en los espacios de la ONG (Organización Nelson Garrido) en Los Rosales.

Es aqui cuando uno vocifera ¡“Prefiero que me quite el sueño Goya, a que lo haga cualquier hijo de puta”!

Columna publicada el 24/05/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Doce cosas imposibles antes del desayuno"

2011-05-31T12:37:00.000-07:00

Doce son los integrantes de la agrupación Teartes, doce los años que están cumpliendo, doce (de mayo) la fecha en que se estrenó su más reciente propuesta, y por ende el nombre que la identifica en el programa de mano es “Doce cosas imposibles antes del desayuno”, pieza basada en textos de Jorge Luis Borges y Lewis Carrol, bajo la dirección general de Jericó Montilla.

El proyecto nació con la agrupación pues ésta sería la puesta en escena con la que se darían a conocer en el ruedo teatral. Sin embargo, por unas y otras razones no fue así, y la premura o la holgura los llevaron hacia otras propuestas que obligaron a dejar archivado este texto en una gaveta , que con la angustia del que nunca gana la lotería esperaba pacientemente su momento de ser. Y ese momento llegó ahora, con la celebración de la primera docena del andar por las tablas del grupo Teartes.

La pieza presenta con brusquedad una visión crítica del “soy” y del “somos”. Acompañamos a Alicia en algunos pasajes por el País de las Maravillas para encontrarnos con la maravilla de que, bien visto, no es tal. El maltrato infantil, el apetito por la guerra, el imperio de la vanidad, la podredumbre del poder; son algunos de los vicios incrustados que merecen su despojo en el escenario, y la puesta en escena ahí nos los lanza, mirándonos de frente. A través de los doce capítulos representados (la cábala numérica persiste), al igual que a Alicia, se nos dibuja en el rostro la gran incógnita de nuestros demonios representados en los personajes típicos de la novela de Carrol: el Gato de Cheshire , el Sombrerero Loco, el Conejo Blanco, la Reina de Corazones; presentados acá como símbolo de grandes sistemas alienantes.

La formación de la directora en artes plásticas se evidencia con un tratamiento y presencia contundente de la imagen en la propuesta, que exhala expresionismo desde que el espectador entra a la sala Experimental del CELARG, convertida en un cubículo sin salidas visibles y envuelto en una espesa niebla, que acaso pudiera decirnos que además de atrapados estamos ciegos, y esto es sólo para empezar. Echando mano de recursos dadaístas como el cadáver exquisito, haciendo énfasis en la composición partiendo de la línea, Montilla desarrolla una visión en la que los actores y el movimiento escénico están en constante dinámica, brindándole al elenco la oportunidad de ir más allá de la palabra, sin olvidar el origen fundamentalmente literario del texto. A estas “Doce cosas imposibles antes del desayuno” será posible verlas hasta el próximo 05 de junio viernes y sábados a las 08:00 pm y domingos a las 06.00pm. ¿Ah, que no va a ir? Pues ¡que le corten la cabeza!

Columna publicada el 17/05/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Lírica"

2011-05-31T12:34:00.000-07:00

Tábula Rasa

La violencia se acuesta con nosotros y con ella nos despertamos. Ha pasado a formar parte de nuestra cotidianidad con una facilidad pasmosa, palpita, se ha hecho ciudad, individuo y sociedad; y desde ángulos diversos: en lo doméstico, en lo político, en lo social, en lo general. Ante este arropo ¿qué nos queda? ¿Cuál es la salida? Para el dramaturgo Gustavo Ott la apuesta es el reconocimiento de nuestra propia sensibilidad y esa es la utopía por la que plantea en “Lírica”, trabajo con el que el Teatro San Martín da inicio al “Proyecto Burgueses” y cuya temporada arrancó el pasado 29 de abril.

La historia de la pieza está basada en un hecho real sucedido en una escuela cercana a la sede del teatro. En ella David López y Lennon González, dos chamos de nueve años comparten amistad, el amor por la poesía y el amor por Francesca. Pero para sus madres, esa amistad es imposible: el padre de Lennon asesinó de tres disparos al papá de David para robarlo cuando éste regresaba de su trabajo, un encuentro de esos que en nuestras escaleras y veredas se da a diario. El odio y la angustia que entre estas dos familias brota, no florece en lo absoluto en el compartir de los dos amigos, concientes de los sucedido, pero ajenos completamente a esa realidad de prejuicios y deseos de venganza. Como mediadora entre las madres, la directora de la escuela lucha por hacerles entender que la reconciliación es posible, que la utopía debe prevalecer.

El montaje, bajo la dirección general de Luis Domingo González, se desarrolla en la oficina de la directora, ambientada con un viejo piano, unas sillas y el consecuente escritorio de ministerio flanqueado por la presencia de un gran tricolor nacional, que más de una vez termina en el suelo a fuerza de ira y desasosiego; y si bien es un elemento recurrente en este tipo de oficinas, acá se eleva en símbolo, en metáfora de un país que sufre dividido por el odio. En contraposición, el piano, del que la directora al final arranca algunas notas ejecutadas sin prodigio, pero con la total convicción de que el camino es el que han señalado los dos amigos. María Brito (la directora) Verónica Arellano (Abril López) y Carolina Torres (Norway González) conforman un compacto elenco, sus personajes conmueven, se nos antojan cercanos, vívidos. La puesta en escena de corte realista juega con la realidad y la poesía manteniendo el espíritu imbuido en el texto. El “Proyecto Burgueses” continuará este año ofreciendo “espectáculos que colocarán las historias de la comunidad como centro de todo el esfuerzo literario y teatral”. ¡Estaremos al pendiente!

Columna publicada el 10/05/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Tenesse Williams"

2011-05-31T12:28:00.000-07:00

Dos importantes agrupaciones teatrales nacionales se unen para celebrar el centenario del nacimiento de uno de los autores norteamericanos más relevantes en la dramaturgia universal del siglo XX: Tenesse Wiliams (1911-2011). Hebu Teatro y Teatro del Contrajuego juntaron esfuerzos y recursos para presentar una programación que arrancó este recién fenecido abril y que se extenderá hasta julio con actividades que incluyen la presentación de “Háblame como la lluvia: Siete obras cortas de Tennessee Williams”; “Mala conducta”, tres espectáculos inspirados en sus cuentos; el montaje de “Un tranvía llamado deseo”, así como una decena de cine-foros sobre películas basadas en los textos de Williams amén de un documental sobre su vida.

Thomas Lanier Williams III, que es el nombre real del autor, nació en la sureña Missisipi y es en su región natal donde asienta el escenario para la mayoría de los dramas que brindó al mundo. Sus personajes principales -que presentan rasgos generalmente autobiográficos- siempre retratan al individuo marginado en oposición a su entorno, y en las situaciones de sus obras se expresan metáforas claras que ponen en evidencia los rasgos de la sociedad de su época, una sociedad de post-guerra, transicional entre los antiguos valores y las nuevas corrientes necesarias. Sus obras generaron, además de acérrimas críticas de los conservadores y el creciente aplauso en los teatros, versiones cinematográficas que hoy se han convertido en clásicos indispensables en la historia del séptimo arte. Su pieza más emblemática “Un tranvía llamado deseo” que le hizo acreedor del Premio Pulitzer en 1948, fue llevada a la gran pantalla bajo la dirección del mítico Elia Kazan y con ella se le dio a conocer al mundo un joven actor, un muchacho sencillo él, egresado del Actor's Studio que interpretaba el papel de Stanley Kowalsky: Marlon Brando. “La gata sobre el tejado de zinc caliente” (Premio Pullitzer en 1955) tuvo como protagonistas a Elizabeth Taylor y Paul Newman en su versión cinematográfica de 1958.
El Zoo de Cristal (1945) y “La noche de la iguana” (1961) ganaron el Premio de la Crítica Teatral de Nueva York. En 1952 “La rosa tatuada” le valió el Premio Tony (el Oscar del teatro) como mejor obra.

La dramaturgia de Williams siempre contrapuso dos grandes fuerzas de la sociedad, una puritana, conservadora, ya en decadencia; y otra rebelde, emergente, que apuesta por el rechazo a las convenciones; ambas reflejadas en las actitudes de sus personajes arquetípicos. Con carácter naturalista enmarcó sus intensas tramas en espacios reales, casi claustrofóbicos, intimamente relacionados con su vida, pero añadía a sus historias un toque de sueño, de irrealidad.

Ya en el Teatro Trasnocho está en cartelera “Un tranvía llamado deseo”, la veremos y les contaremos cómo nos va...

Columna publicada el 03/05/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Memorias para armar"

2011-05-31T12:25:00.000-07:00

La Fundación Compañía Nacional de Danza estrena el próximo miércoles 27 a las 7:30 de la noche en la Sala Rios Reyna del Teatro Teresa Carreño, “Memorias para Armar” pieza original del coreógrafo uruguayo Martín Inthamoussu que rinde homenaje a las víctimas de la represión que caracterizó a las pasadas (pero no por pasadas, caducas) dictaduras sudamericanas.

“Memorias para Armar”, viene a ser el segundo estreno mundial que la FCND realiza en este 2011, lo que desde ya, puede decirse, es un logro rescatable en lo que a la danza contemporánea se refiere. Ya en febrero pasado estrenaron “Asonados” del coreógrafo venezolano Leyson Ponce poniendo sobre las tablas y a través del lenguaje del cuerpo en movimiento, una visión sobre los tristemente célebres sucesos de “El Caracazo”.

En esta nueva pieza la FCND vuelve a apostar por el tema social, pero pasa de lo nacional a lo continental, y deja en manos de Inthamoussu esta propuesta escénica que traduce al vértigo de la danza las historias de los sobrevivientes de esos feroces regímenes dictatoriales que azotaron nuestra América del Sur en los años sesenta y setenta.

Una gran cámara alemana blanca, con dos grandes lámparas colgantes como elementos escenográficos únicos, brindan el espacio tenso y profundo en el que los bailarines con sus buenas artes expresan el dolor, la angustia -y a la vez la esperanza- por esa justicia retardada que aún hoy, luego de tantos años de la barbarie, escucha voces de reclamo. Que no se olvide, para que no vuelva a suceder.

La música de la “Misa Criolla” del compositor argentino Ariel Ramírez (1921-2010) será interpretada en vivo por el Grupo Experimental Nuestra América, quienes con instrumentos propios del folcklore sureño y acompañados por el Coro de Cámara de la Fundación Compañía Nacional de Música, y por la solista Fabiola José, sonarán los acordes para la ejecución del trabajo dancístico.

El evento cuenta tras bastidores con la Dirección de Arte de Efrén Rojas, la Dirección de Escena de María de los Ángeles Solés y Xiomara Barrios y la Producción Ejecutiva de Williams Rivas, todos bajo la Dirección Artística de Alice Dotta. Y las entradas podrán adquirirse a precios verdaderamente irrisorios en la taquillas del teatro.

Columna publicada el 26/04/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Vía Crucis"

2011-05-31T12:24:00.000-07:00

Con la llegada de la semana santa asisitimos también a una manifestación teatral, cuyo origen se remonta a los primeros siglos del cristianismo: la celebración de los Vía Crucis vivientes, representaciones de marcada raigambre popular que recrean la pasión, muerte y crucifixión de Jesucristo. La devoción que los primeros cristianos profesaban por los lugares relacionados con la vida y muerte de Cristo provocó importantes peregrinaciones a Tierra Santa. Con las Cruzadas se extendió esa devoción y los cruzados empezaron a llevar a sus lugares de origen la idea de realizar algo parecido a lo que habían visto y obrado en Jerusalén.

A nosotros -como la casi totalidad de nuestras tradiciones religiosas- nos llega la costumbre con la Colonización. En nuestra era contemporánea distintas parroquias de la capital como La Pastora, 23 de enero, San Agustín del Sur, o El Junquito han llevado a sus calles interpretaciones de esos últimos acontecimientos en la vida del llamado Redentor. El de La Pastora, por ejemplo, uno de los más emblemáticos, que se celebra desde hace más de cincuenta años, parte del Camino de los Españoles, pasa por El Polvorín, Mecedores y sigue hasta la Iglesia de San Judas Tadeo.

También podemos mencionar el Via Crucis patrocinado por FUNDARTE que durante alrededor de veinticinco años (se dejó de hacer sin mayores explicaciones hace dos años, según informa uno de sus actores y directores estables) salió desde de la Plaza Bolívar. La representación constaba de unas quince estaciones entre las que destacaban los principales sucesos del martirio de Jesús: su flagelamiento y sentencia, la liberación de Barrabás, su clavado en la cruz, sus caídas sucesivas, su encuentro con La Verónica quién le limpia el rostro, el encuentro con su madre María y su hermano Juan, la intervención de José El Cirineo (llamado así pues en el relato bíblico se dice que venía de la ciudad de Cirinea) quién le ayuda a cargar la cruz, el despojo de sus ropas, su crucifixión, el episodio del terremoto, la perforación de su tórax; y culminaba ya en el Parque El Calvario con su muerte y sepultura. Y hay que decir que para el actor que personifica a Jesús, la tarea no es tan fácil, pues realmente debe cargar con una cruz de unos 110 kg. Es claro que la diversión la tienen los actores que personifican a los soldados romanos, repartiendo latigazos a diestra y siniestra, incluyendo a algún despistado espectador.

En el interior, son famosos El Nazareno de Achaguas (Edo. Apure), relacionado con nuestra Guerra de Independencia, y al general Páez, quién en pago de promesa por la victoria obtenida ante las fuerzas españolas, encomendó la construcción de la imagen hacia 1835. Los Via Crucis de Caripito, en el estado Monagas, y Tostós, en Trujillo, o el “Cristo de Bolívar” en Ciudad Bolívar son tambié relevantes por su majestuosidad, cuidado y convocatoria. ¡Teatro, lo nuestro es puro teatro!

Columna publicada el 19/04/2001 en el diario "El Nuevo País"

"Momia en el closet"

2011-05-31T12:19:00.000-07:00

El macabro latinoaméricano, nuestra relación con el fenómeno de la muerte, esa condición de inverosimilitud que nos caracteriza tiene en la muerte de Eva Perón un botón de muestra del tamaño de un gong. Este personaje de innegable trascendencia en la historia argentina y latinoaméricana logró en vida movilizar incontables como contradictorios sentimientos, y su muerte, acaecida por un cáncer de cuello uterino a la cristiana edad de treinta y tres años (coincidencia que la empuja aún más al plano del culto), se convirtió en un eslabón adicional de esa cadenita delgada que parece separar nuestra realidad de nuestra ficción.

Su cadáver fue momificado, y puesto en capilla ardiente por casi un mes, primero en la Confederación General del Trabajo y luego en el Congreso; la procesión que seguía el féretro se extendía por más de dos kilómetros. El cuerpo permaneció luego en la CGT por más de dos años recibiendo constantes visitas y muestras de afecto. Hasta ahí, nada fuera de lo esperado para un personaje con su arrastre. Y he aquí que ocurre el golpe de estado que derroca a Perón y el nuevo gobierno encabezado por el General Aramburu ordena la desaparición del cadáver. Durante los siguientes catorce años, el cuerpo de Eva Perón realizó un periplo perverso:estuvo escondido en depósitos mlitares, rodando en furgonetas, colocado de pie en una oficina militar, llevado a Italia y enterrado con una identidad falsa en complicidad con el Vaticano, vuelto a desenterrar y llevado a Madrid. No sería sino hasta 1976, que un nuevo gobierno, nacido, como no, de un golpe de estado, devolvería los restos a la familia y finalmente depositado en un mausoleo, donde se mantienen desde entonces (por lo menos eso creemos, si es que no lo han vuelto a sacar de paseo).

Toda esta increíble situación le abrió el apetito al dramaturgo Gustavo Ott, quién realizó una exhaustiva investigación al respecto que dio como resultado “Momia en el closet”, pieza que bajo la dirección de Costa Palamides llevó a escena la gente del Teatro San Martin.

En clave de musical, la pieza se pasea por los episodios más relevantes del lúgubre juego que envolvió al cadáver de Evita, y lo traspola además a una gran metáfora del ser y quehacer latinoaméricano. Esa profanación sufrida a manos de los poltíticos, la iglesia y los militares, la sufriría (y sufre) de igual modo todo nuestro continente.

La puesta en escena, resuelta con sencillez por Palámides, hace gala de una mezcla de sátira, poesía y humor negro para exponernos sin tapujos el absurdo que nos define. Actuaciones correctas del elenco compuesto por Verónica Arellano, David Villegas, Valeria Castillo, José Gregorio Martínez, José Luis González y el propio Costa; logran mantener la atención durante las casi dos horas del espectáculo, aunque – y es un detalle a tener muy en cuenta- las recurrentes deficiencias a nivel de canto: desafinaciones, volúmenes, sincronía; atentaron despiadadamente contra la propuesta, lo que al tratarse de un musical adquiere una importancia inestimable.

Columna publicada el 12/04/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Yocasta"

2011-05-31T12:16:00.000-07:00

Tábula Rasa

La especie humana es la única que se mata entre sí sin que medien razones de supervivencia. En el reino animal, las luchas cruentas entre los individuos se originan en la fatal dicotomía de matar o morir; los animales se matan unos a otros para alimentar su cuerpo, el hombre, extraño ente, suele matar para alimentar su ego. El arrebato de la vida se ha vuelto un espectáculo cotidiano, morboso, masivo, entretenido a veces. La muerte a manos del semejante ha dejado de ser un escándalo, hoy es un plato diario.

“Matar es una necesidad tan clara e imperiosa como venir a la vida”, es la afirmación que el dramaturgo venezolano León Febres Cordero desarrolla en su obra “Yocasta”, pieza que desde el pasado 18 de marzo y hasta el próximo 10 de abril estará en el escenario del Teatro Luis Peraza, a cargo del Taller Experimental de Teatro (TET).

Yocasta es un personaje fundamental en la mitología griega. Fue reina de Tebas y fungió como personaje esencial en la tragedia “Edipo Rey” de Sófocles. Un oráculo predijo que Edipo (hijo de Yocasta) terminaría asesinando a su padre y casándose con su madre. Para impedir el cumplimiento de la funesta profecía, el rey Layo mandó a asesinar al recién nacido, pero Yocasta no cumplió la orden de su marido y secretamente entrego el niño para que otros lo criaran. Edipo fue acogido por el rey de Corinto, quién lo tuvo como suyo propio. Al ser un adulto, en un enfrentamiento de camino, Edipo mató a su padre. Más tarde, luego de librar a la ciudad de Tebas de la amenaza de la Esfinge -demonio de terror y mala suerte- Yocasta se casó con el salvador, sin saber ninguno de los dos el lazo materno que los unía. Del incesto, nacieron Polínises y Etéocles, quienes se despedazaron el uno al otro en su lucha por hacerse con el reino de Tebas.

Febres Cordero parte de esta lucha entre los hermanos para introducirnos en un tema que se sabe sin solución: el hombre mata y seguirá matándose. El hombre lleva la muerte en el cuerpo desde el mismísimo instante en que nace. Desde los griegos hasta acá la verdad sigue siendo la misma.

La obra, escrita en febrero de 2004 se estrena por primera vez en Venezuela de la mano del TET con las interpretaciones de Areani Rondón, Oswaldo Maccio y Alí Rondón, todos bajo la dirección general de Santiago Sánchez Espinoza.

Columna publicada el 05/04/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Día Internacional del Teatro"

2011-05-31T12:14:00.000-07:00

Este pasado domingo, 27 de marzo, se celebró una vez más, y como se hace desde 1961, un nuevo Día Internacional del Teatro. Alrededor del orbe, los centros nacionales de teatro de cada país organizaron actividades conmemorativas, charlas, representaciones teatrales, foros, performances y demás bocados escénicos para darle otro empujoncito al gran carro de Tespis.

En un mundo con la piel todavía sangrante por los horrores de la Segunda Guerra Mundial, en el año 1948 se crea por iniciativa de la UNESCO el Instituto Internacional del Teatro (ITI) organización no gubernamental que ponía sobre la mesa la apuesta del arte escénico como agente de solidaridad y comprensión entre los países. Frente a la metralla y el humo, los teatreros del mundo ponían las tablas y el vuelo del telón. Y fue en el IX Congreso del ITI, celebrado en Viena, que un representante de Finlandia propuso la instauración de este día de celebración; la escogencia del 27 de marzo para tal fin obedece a que en esta fecha se hacía en París el “Festival Teatro de las Naciones ITI – UNESCO”, que reunía a agrupaciones de todo el orbe. Parte central de la celebración es la invitación que se le hace a una personalidad teatral a escribir y ofrecer el Mensaje del Día Mundial del Teatro, que se lee a los espectadores en todo el mundo justo antes de comenzar cualquier función de este día. El de este año le correspondió a la Dra. Jessica A. Kaahwa, de Uganda, dramaturga, directora, actriz, docente teatral, y activista humanitaria. Su mensaje no podía tener más vigencia. He aquí algunos extractos:

“La celebración de hoy es un reflejo fiel del inmenso potencial que posee el teatro para movilizar comunidades y tender puentes. ¿Han pensado alguna vez que el teatro podría ser una herramienta muy poderosa para la paz y la reconciliación?”

“…el teatro es un medio probado de progreso y defensa de las ideas, que mantenemos y por las que estamos dispuestos a luchar cuando no se respetan, de forma colectiva. Es por tanto una farsa mantenerse callados en momentos como el nuestro, conociendo el poder del teatro, y permitir a los que empuñan armas y lanzan bombas ser los pacificadores de nuestro mundo. ¿Cómo pueden estas herramientas de alienación ser también instrumentos de paz y reconciliación?” Os exhorto, en este Día Mundial del Teatro, a reflexionar sobre esta posibilidad y a proponer al teatro como herramienta universal de diálogo, transformación y reforma social.”

Nada más que agregar salvo ¡Feliz Día Internacional del Teatro, a mis lectores y colegas!

Columna publicada el 29/03/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Baraka"

2011-05-31T12:09:00.000-07:00

“Baraka”, vocablo marroquí que denota una expresión de saludo y deseos de buena suerte, es el santo y seña que cuatro amigos de la infancia escogieron como forma particular de saludarse. Estos amigos se han hecho adultos y cada una de sus vidas han tomado rumbos disímiles. Luego de muchos años, y con la llegada inevitable de la madurez, en retrospectiva quedan en evidencia también las esperanzas y las desilusiones.

“Baraka” es una de las obras más importantes del teatro holandés moderno y su autora, María Goos, una de las figuras más resaltantes de las tablas neerlandesas. Escrita originalmente en el 2002, este texto, cargado de humor y reflexión, se pasea por la amistad que une a Pedro, Juan, Tom y Martín, poniendo sobre el tapete una visión de la condición masculina: sus valores, sus agridulces contradicciones, y su incesante búsqueda del reconocimiento, del dinero, del poder. Su versión inglesa fue estrenada en el 2004 en el Teatro Old Vic de Londres, dirigida nada menos que por Kevin Spacey. Bajo la dirección de Héctor Manrique, el Grupo Actoral 80 la estrena por primera vez en nuestro país, en su versión en español, y la sube al escenario del Teatro Trasnocho.

Pedro es un homosexual solitario que no ha logrado cuajar esa relación estable que le complete. Es también un funcionario público en el área cultural de una alcaldía. Ahora mismo, enfrenta una acusación por malversación de bienes públicos. El abogado que lleva su caso, Tom, acaba de rehabilitarse por su adicción a la cocaína y las secuelas de los muchos años de autodestrucción son física y mentalmente evidentes. Ayuda también en el caso con sus influencias políticas, Juan, economista que espera en pocos días su nombramiento como flamante ministro de Relaciones Exteriores, felicidad que contrasta con su maltrecha vida familiar. Completa el cuarteto, Martín, famoso director de teatro, pero cuyas obras, en el entender de sus amigos, son somníferas y de mal gusto.

La puesta en escena deja todo el peso de la pieza en el trabajo actoral de Javier Vidal (Pedro), Carlos Cruz (Juan), Iván Tamayo (Tom) y el propio Manrique (Martin), quienes en un espacio escenográfico inamovible, resuelven las escenas con fortaleza, desparpajo y buena química. El buen manejo del humor, no solapa la carga reflexiva que el texto deja colar. En definitiva, un montaje solvente y recomendable.

Columna publicada el 21/03/2011 en el diario "El Nuevo País"

"La Muerte y la Doncella"

2011-05-31T12:05:00.000-07:00

En un ficticio país del tercer mundo se impone una férrea dictadura. Como en todas, la represión, el desprecio a los derechos humanos, la persecución, y la estigmatización forman parte del ejercicio del poder con una cotidianidad pasmosa. En una celda oscura y maloliente (¿puede haberlas acaso con otras características?) Paulina Escobar es torturada con crueldad, pero aún así su temple es lo suficientemente capaz de no delatar a Gerardo,su novio, editor de un periódico clandestino de fuerte oposición al régimen. Con el tiempo, el gobierno cae, y la democracia comienza su andar con paso tímido pero firme en el período de transición. Paulina y Gerardo, ya casados buscan abrirse a la vida en este país que ansía reconstruirse. Gerardo se ha convertido en un prominente abogado que encabeza una comisión investigadora de las antiguas violaciones a los derechos humanos. Una noche, por esas zancadillas del destino, en un accidente conoce al Dr. Miranda, quien lo auxilia y le lleva a casa. Una vez allí Paulina cree reconocer en la voz del visitante, el sonido de su torturador. Por haber estado vendada, la única conexión que tuvo con su agresor fue auditiva: entre los golpes y vejaciones, se erigía la voz de aquel salvaje y la melodía de “La muerte y la doncella” de Schubert, que el esbirro colocaba de fondo musical para sus atrocidades.
El título de la pieza del compositor austríaco, identifica también a una de las obras latinoamericanas más representadas en los últimos tiempos. Original del dramaturgo chileno Ariel Dorfmann, esta pieza ganadora de numerosos premios a nivel internacional, es una denuncia frontal de la tortura y una reflexión necesaria sobre la condición humana, que llega a la sala del Espacio Plural del Trasnocho, bajo la dirección de Moisés Guevara.
Estos personajes, interpretados por Antonio Delli, Claudia Nieto y Gonzalo Velutini, hilan un triángulo de conflicto en el que se ponen a prueba sus propias convicciones. Paulina, no quiere otra cosa que la venganza, aunque en su afán por lograrla pueda llegar a convertirse en aquello que odia profundamente. Gerardo, con nuevas responsabilidades, y ante el temor de lo mucho que puede perder en su nuevo status desconfía de la cordura de su mujer. Y el Dr. Miranda, sentado ahora en el banquillo de la víctima, deberá apelar a la humanidad de su agresor para salvarse.
En esta pequeña casa vive todo un país. Quizá un todo un continente. Los conceptos de justicia y deber, se acomodan a conveniencia. Siempre hay argumentos aparentemente sólidos para el oprobio. ¿Venganza o justicia? ¿Borrón y cuenta nueva? ¿Olvido? ¿Memoria?

La obra publicada originalmente en 1991, fue llevada al cine en 1994 nada más y nada menos que por Román Polansky y protagonizada por Sigourney Weaver, Ben Kingsley y Stuart Wilson. Acá en el Trasnocho estará en cartelera hasta el 03 de abril.

Columna publicada el 14/03/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Mi vida por un sueño"

2011-05-31T12:03:00.000-07:00

Poesía y teatro, si es que acaso uno y otro no son en esencia lo mismo, se conjugan en el escenario para desnudar el alma de uno de los escritores venezolanos de mayor trascendencia en nuestra historia literaria: José Antonio Ramos Sucre. Este descendiente del Gran Mariscal de Ayacucho cargó sobre sus hombros el peso de un linaje que le imponía cubrir las expectativas que la historia patria le inoculaba desde la placenta, lo que para un niño que sólo quería jugar se convertía en una especie de pequeño infierno. De adulto, un desorden nervioso le lleva a sufrir de prolongados y dolorosos períodos de insomnio. Era común verlo deambular por las calles de su ciudad como un fantasma silencioso en las madrugadas. Su poesía resultaba avanzada para su tiempo, fue uno de los primeros venezolanos en escribir poesía en prosa. Sus escritos no podían enmarcarse dentro de una corriente específica. Hoy quizá resistan el encasillamiento de “vanguardista”. Su pensamiento percibía el entorno intelectual venezolano de su época como mediocre y conformista. Estando en Ginebra, pocos días después de cumplir cuarenta años, se suicida son una sobredosis de Veronal. Muchas décadas después su trabajo obtendría el reconocimiento que en vida no supo comprender la camada erudita de su tiempo.

Un tocayo, José Antonio Barrios, explora en “Mi vida por un sueño” el lado humano del poeta y presenta una obra de marcado lirismo imbuida de los tormentos y vivencias del cumanés. A su vez, el director Costa Palamides, toma esta pieza ganadora del Premio Único del I Concurso de Dramaturgia Breve Gilberto Pinto 2008, y le da vida con una puesta en escena de marcado carácter ritual acercando al espectador al universo de Ramos Sucre desde una superposición de planos. Con una disposición de espacio bifrontal, Palamides se hace de lo onírico, lo real, y lo espiritual para “desvestir la doble mirada del autor-actor en un reino de pesadillas fantasmales”. Cantos orientales venezolanos se funden imperceptiblemente con rasgos propios de la liturgia medieval y bizantina. Coro y Corifeo, espíritus de antepasados, metáforas hechas personaje transitan en esta producción del grupo Rajatabla que se mantendrá en su sala hasta el próximo 27 de marzo en el marco de la II Muestra de Dramaturgia Nacional y siguiendo la celebración de sus cuarenta años. ¡Que las velitas continúen encendidas!

Columna publicada en 07/03/2011 el diario "El Nuevo País"

"Tu país está feliz"

2011-03-27T20:33:00.000-07:00

Se cumplen ya cuarenta años (no tiemblen que no vamos a hablar de la IV, mucho menos de la V) de la siembra de una semilla que germinaría en la agrupación teatral venezolana de mayor resonancia en el siglo XX. El autor carioca Antonio Miranda, reflejaba en un poemario su visión de la juventud venezolana de aquellos años setenta, días en los que todavía resonaban los ideales marxistas, las melenas hippies, y el espíritu de la revolución del 68. Con un papel colocado en la puerta de la biblioteca “Paul Harris” (que todavía existe en La California) Miranda convocó a músicos, actores y compositores a sumarse al proyecto de representar su poesía. Acudió, entre otros, el músico venezolano Xulio Formoso. Más tarde, luego de algunas lecturas, alguien asomó el nombre de Carlos Gímenez, un joven argentino que para ese momento montaba en el Ateneo de Caracas una obra de Miguel Otero Silva. Una vez leído el poemario, Gímenez decidió aceptar de inmediato el reto de llevar a escena la lírica vigorosa del inquieto brasileño. Se le sumaron textos al original, se añadió la música de Formoso y el 28 de febrero de 1971 se estrenaba “Tu país está feliz”, una pieza pensada para tres funciones y que hasta la fecha lleva más de dos mil. De esa experiencia nacería “Rajatabla”, sin duda un nombre que dentro y fuera de nuestras fronteras lleva como apellido el teatro venezolano.

Ocho actores, sin más herramientas que sus cuerpos, cubos forrados en papel periódico como artilugio escénico que se mueve y transforma, veintiséis poemas y catorce canciones integran la puesta en escena original de Carlos Giménez para quién esta propuesta era “Un violento y maravilloso grito de rebeldía, de sangre joven y útil, dispuesta a la lucha, a la batalla diaria y consecutiva por seguir creyendo cada día en el día que viene. Es comprensible entonces que este grito se haga canto y sumen a él las voces de jóvenes que sienten al teatro y al arte como “un acto de amor”. (Más vigencia y pertinencia actual, imposible). Los desnudos -inusuales en el teatro venezolano hasta esa época- que el director, bajo justificación del texto mostró, escandalizaron y emocionaron. Germinaba una era dorada para nuestras tablas.

Para celebrar este arribo a su edad madura Rajatabla repone la puesta en escena de su fundador, esta vez bajo la dirección de José Domínguez y la producción de Francisco Alfaro (actor de la puesta original) durante tres funciones los días 28 de febrero, 01 y 02 de marzo en la Sala 1 del CELARG.

Una oportunidad para acercarse al legado de Giménez y ver “la pieza que toda una generación amó”.

Columna publicada el 28/02/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Teatro de Cerca"

2011-03-27T20:30:00.000-07:00

Aunque este espacio está principalmente dedicado a contar lo que está ocurriendo en las tablas locales, con algunos acercamientos -cuando las circunstancias así lo permiten- a la actividad teatral que se hace en el interior; en esta oportunidad voy a estirar un poco la cuerda para echar el cuento de una experiencia que desde hace unos años está alcanzando una buena cantidad de aplausos.

Por allá por tierras ibéricas, en la capital catalana para ser más exactos, la agrupación Teatro de Cerca anda desde 2005 literalmente con sus cachivaches encima, de casa en casa, llevando espectáculos teatrales a domicilio, de ahí el nombre del colectivo. El telón, los bastidores, y el escenario son sustituidos por las cortinas, el baño y el sofá de la sala, ofreciéndole a quién lo solicite una experiencia teatral de primera mano. El formato es sencillo: un par de actores o actrices representan alguna pieza especialmente escogida para apegarse a la propuesta espacial, y allí, entre relajados tragos y tertulia, rodeados de un grupo de amigos invitados por el anfitrión (generalmente se pide un mínimo de quince espectadores), se despliega esta manera única de vivir el teatro.

“La ceniza” escenificada por dos actores y “La Carcoma” interpretada por dos actrices, ambas escritas y dirigidas por Quique Culebras, fueron las primeras obras que estrenaron bajo esta modalidad hace más de un quinquenio, y aunque la agrupación tiene en su haber también piezas para escenario, no dejan de lado esta idea que tantas satisfacciones les ha dado. “Esta es la experiencia teatral más intensa de toda mi vida, aquí el público no puede engañarte, ni aunque se lo propusiera”, declaraba al diario español “La Vanguardia” Oriol Grau, uno de los actores fundadores, cuando apenas tenían unos meses de recorrido.

Experiencia escénicas similares se dan en Francia, y entiendo que en los pasados años ochenta tuvo un cierto apogeo en ciudades como Moscú y Praga. En la misma Barcelona hubo en los años cincuenta una modalidad llamada “teatro de una noche”, que se refería precisamente a eso, a teatro de una sola vez, efímero.

¿Y cuánto puede costar contratar algo así para presentarlo en la sala de uno? Pues, he aquí que no hay un caché pre-establecido. Al finalizar la función, los actores se retiran al improvisado camerino en una de las habitaciones de la casa, y el anfitrión pasa un sombrero o una bandeja a los asistentes y lo que resulte pues, resultó. ¿Funcionaría una propuesta así por estos lares?

Columna publicada el 21/02/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Acto Cultural"

2011-03-27T20:26:00.000-07:00

- Francisco Xavier: ¡Se declara inaugurada la ceremonia!-.

Columna publicada el 14/02/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Weekend en Bahía"

2011-03-27T20:23:00.000-07:00

Teatro K Producciones es una agrupación joven, no sólo porque su fecha de nacimiento es reciente, sino porque sus integrantes y fundadores no llegan en promedio a los treinta años. Como buen púber, Teatro K es un colectivo hambriento, ansioso por comerse el mundo, que para todo efecto tiene sus fronteras marcadas en las cuatro esquinas de cualquier escenario, y tiene como cielo el infinito límite de la tramoya

Como primer aldabonazo, su director Morris Morientes se ha propuesto darle vida a una trilogía teatral del dramaturgo cubano Alberto Pedro Torriente cuya primera entrega - “Manteca” - le brindó el pasado año variopintas satisfacciones tanto a los intérpretes como a los espectadores.

Ahora ha llegado el turno de la segunda entrega y he aquí que “Weekend en Bahía” sube a las tablas durante el mes de febrero en la nueva sede del Ateneo de Caracas (ahora en la Avenida La Salle, diagonal a Venevisión) para brindar a los espectadores una mirada íntima a la vida de Esteban y Mayra, una pareja que se reencuentra después de diecinueve años para descubrir entre recuerdos ese abismo inevitable entre lo que se es y lo que se soñó ser.

Torrientes (1954 – 2005), también fundador de Teatro Mío en su Cuba natal, es un autor reconocido por la audacia de sus líneas, en las que plasma su inquietud por el desarraigo, por la escisión espiritual, personal. Es en esta encrucijada donde las intenciones del dramaturgo cubano y del director venezolano se encuentran y se confortan. En esta propuesta de “Weekend en Bahía” se habla casi en susurro, se evoca como un ejercicio vivificante; la invitación es a descubrirse a sí mismo, a encontrarse en el espejo de Esteban, el hombre de poesía inconclusa y de Mayra, una mujer que busca su identidad; interpretados por José Manuel Peña y Varinia Arráiz; quienes alcanzan la atmósfera íntima sustancia de esta historia, que a fin de cuentas, como todas las historias que existen, no es más que una historia de amor.

Una vez culminada esta temporada, está planteada una gira internacional, a la que desde ya le inyectamos toda la buena vibra posible. La tercera parte -“Banquete Infinito”- de esta trilogía de Torriente por Morrientes, ya está en pre-producción y pronto esperamos estar hablando de ella.

Columna publicada el 08/02/2011 en el diario "El Nuevo País"

"De monólogos y otras comedias"

2011-03-27T20:19:00.000-07:00

Echando un ojo a las principales páginas web nacionales dedicadas a publicar la cartelera teatral nos seguimos encontrando con un detalle que desde hace algún tiempo es, en el mundillo de las tablas, material de cháchara, discusiones, tertulias y, –las he visto- acaloradas controversias y profundas consideraciones estético-filosóficas (¡ufff!). Y es que desde un tiempo a esta parte las marquesinas titilan con espectáculos cuyo carácter o pertinencia verdaderamente teatral es motivo de discusión casi permanente. Hablamos de la evidente irrupción de esta fiebre cuya evidencia se presenta con más o menos la misma sintomatología: comedias que bien en un monólogo, o con varios actores, se aferran a una temática que gira en torno al matrimonio, a la guerra entre los sexos, al divorcio, a la viudez, a los cuernos, a los orgasmos, a los maridos, a las cuaimas ¿si me sigue por dónde van los tiros? En la mayoría de los casos, son protagonizadas por rostros bien reconocidos de la televisión, unos con una carrera teatral de probada trayectoria, otros sin más respaldo escénico que su ejercicio frente a las cámaras y en los gimnasios.

Para unos este teatro de evasión, vacío de contenido, está ganando un espacio frente al necesario teatro de arte, cuya supervivencia está cada vez más amenazada, no solo por la falta de un público verdaderamente interesado, sino por su baja rentabilidad. Está claro que para el empresario teatral privado que invierte en sala y equipos, es más inteligente asegurarse una buena taquilla antes que una buena reflexión. ¿Se le puede juzgar por ello? Otros argumentan, que como están las cosas, la gente no va querer ir al teatro a “estresarse” más de lo que la cotidianidad lo hace, que antes bien, lo que quiere es un escape, que lo hagan reír y ya. Y ante esto no faltará quién replique: ¿No se podría hacer reír con Aristófanes o Moliére? Si se tomara el arrastre que las estrellas de televisión tienen y se les monta en un obra de teatro de autor ¿no sería una oportunidad de oro? Si el teatro sigue evadiendo su responsabilidad crítica, reaccionaria, estará perdiendo su vida misma. Y si éste no es el tiempo para ser crítico, ¿cuando lo será? El tema es extenso y el espacio es corto. Mientras tanto se siguen escuchando cosas como ¿a esto se le puede llamar teatro? ¿Es un teatro pertinente para nuestros tiempos? ¿Qué puede ofrecer la contraoferta de autor que gane público masivo? ¿Quién tira la primera piedra: directores, productores, actores? Es más,¿hay alguna piedra que tirar?

Columna publicada el 31/01/2011 en el diario "El Nuevo País"

"Otelo 4x4"

2011-03-27T20:16:00.000-07:00

“Otelo 4X4”, versión de la celebérrima tragedia de Wiliam Shakespeare es la pieza con la que la gente del Teatro San Martin abre su temporada del 2011. La historia del “moro de Venecia”, cuyo tema fundamental gira en torno a los celos en su escalafón más irracional, consigue en esta propuesta nuevos caminos de desgrano bajo la dirección general de Luis Domingo González.

El montaje forma parte del proyecto “4X4” –que iniciara el año pasado con una versión de “Romeo y Julieta”- cuyo eje central es la adaptación de obras clásicas (desde el teatro griego, pasando por el Siglo de oro español y los clásicos contemporáneos) interpretadas por cuatro actores y desarrolladas desde una concepción moderna que logre acercar estos íconos de la dramaturgia universal al público actual.

En esta particular revisión , “Otelo” es definida por sus creadores como una “una pieza de contenido político sobre la fuerza del odio como instrumento para crear una sociedad paranoica, previa a su destrucción”. De la concepción original de la obra (publicada originalmente en 1603) en la que el dramaturgo inglés expone el lado más feroz de los celos, González y compañía estiran el manuscrito y descubren unas líneas en las que corren y se descubren los vericuetos más salvajes presentes siempre en la lucha por el poder, y del influjo devastador que éste ejerce sobre aquellos que lo ostentan o lo ansían.

La inusual propuesta en la que solo cuatro actores se desdoblan para dar vida a todos los personajes de la pieza (que en Shakespeare siempre vienen por docenas mínimo) pone sobre el escenario un trabajo actoral de exigido rigor que busca llevar tanto a intérpretes como a espectadores a los límites de la creación y la percepción.

Es sobre esa capacidad de desdoblamiento y de crear personajes de Ludwig Pineda, David Villegas (quién también es el productor general), José Gregorio Martínez y Mariana Alviáres; que descansa este “Otelo 4X4” en funciones en el Teatro San Martín viernes y sábados a las 07:00 pm y los domingos a las 06:00 pm.

Columna publicada el 24/01/2011 en el diario "El Nuevo País"

“El Arquitecto y el Emperador de Asiria”

2011-03-27T20:10:00.000-07:00

Ahora sí. Había que esperar hasta la tercera semana del año para, en general, empezar a ver los telones abiertos una vez más con su regularidad habitual. ¿Será por esos orígenes griegos del teatro, íntimamente ligados a la adoración de Baco (que es de donde viene la palabra “bacanal”), en los que el vino corría a riachuelos, que la resaca nuestra es tan larga? Vaya usted a saber.

Por lo pronto, por los lados de la UNEARTE “El Arquitecto y el Emperador de Asiria” original de Fernando Arrabal y montada por la agrupación Séptimo Piso, bajo la dirección de Dairo Piñeres; nos invita a celebrar lo0s quince años de la agrupación.

A consecuencia de un accidente aéreo, un personaje “civilizado” llega a una isla en la que se encontrará con su único habitante: un salvaje que ni siquiera habla. A través de diálogos fuertemente surrealistas, plagados de absurdo e ironías, la dinámica de esta particular pareja se convierte en una metáfora para esa inherente condición humana de debatirse entre lo que se quiere ser y lo que realmente se es. Ambos enfrentan su aislamiento jugando a ser otros, siendo todos y nadie al mismo tiempo, empeñándose en el ínterin por lograr la aceptación del que está enfrente; aún allí es esa isla perdida, aislada de todo y de todos. ¿Logra establecer el paralelo? ¿No le resulta cercana la sensación?

En palabras del autor, esta pieza coloca sobre el tapete “tanto al individuo como a la sociedad conformista que no va en busca de valores más altos como la filosofía, la justicia, sino que sigue cayendo cíclicamente en las mismas historias”. Arrabal, conocido por su lírica provocadora, tiene en sus textos siempre un espacio para chamuscar los lastres sociales, nuestras llagas como colectivos quedan expuestas con una violencia que recuerda, según algunos críticos, a la del Marqués de Sade, por lo que termina siendo una violencia con algo de delicia.

Moisés Berroterán y Luis Vicente González conforman el elenco de esta pieza cuyo equipo lo completa Carlos Díaz en el diseño de vestuario y concepto escenográfico, y Carlos Chacón en la producción general. Hasta el próximo 23 de enero ocupará la sala Horacio Peterson en funciones de miércoles a sábado a las 07:00 pm y el domingo a las 06:00 pm, con entrada libre

.P.D. Si no lo digo me reviento:después de siete horas de memoria y cuenta,me di cuenta de que para la cultura ¡no hay ni memoria!

Columna publicada el 18/01/2011 en el diario "El Nuevo País"